Punto de Vista 2011 (Parte 2)

A con­ti­nua­ción fina­li­za­mos el repaso sobre la VII edi­ción del Fes­ti­val Inter­na­cio­nal de Cine Docu­men­tal de Nava­rra, Punto de Vista. (Ver Parte 1)

Tupi or not tupi

Con el sub­tí­tulo “Caní­ba­les con­tra vam­pi­ros” se nos pre­sen­taba la otra retros­pec­tiva temá­tica del fes­ti­val: un con­junto de pelí­cu­las que giran en torno al cho­que de cul­tu­ras, la explo­ta­ción y el cani­ba­lismo cul­tu­ral y cine­ma­to­grá­fico. El ciclo con­te­nía algu­nas pelí­cu­las rela­ti­va­mente cono­ci­das que podían dar algu­nas pis­tas sobre los obje­ti­vos y las ideas de sus pro­gra­ma­do­res, como es el caso de la diver­tida Tigrero. A film that was never made (Mika Kau­ris­mäki, 1994) o los clá­si­cos Les sta­tues meu­rent aussi (Alain Res­nais y Chris Mar­ker, 1953) y Aga­rrando pue­blo (Luis Ospina y Car­los Manolo, 1977). El cor­to­me­traje de los dos gran­des auto­res fran­ce­ses, el más anti­guo del pro­grama, nos remi­tía a la crí­tica anti­co­lo­nia­lista, mien­tras que el corro­sivo film colom­biano intro­du­cía uno de los con­cep­tos clave del ciclo: el de “vam­pi­ros de la mise­ria”, en refe­ren­cia al sen­sa­cio­na­lismo y la mani­pu­la­ción fíl­mica e infor­ma­tiva mediante los cua­les el pri­mer mundo apro­ve­cha las mise­rias de los desfavorecidos.

No obs­tante, la mayor parte de las pelí­cu­las supo­nían un mis­te­rio para noso­tros, empe­zando por el “tripi” del fes­ti­val: Triste tró­pico, del artista bra­si­leño Art­hur Omar, una pelí­cula abso­lu­ta­mente invi­si­ble que narra la fabu­lada his­to­ria de un médico (amigo de Picasso y Bre­ton, entre otros) que vuelve de París a Bra­sil para aca­bar sumer­gién­dose en la selva ama­zó­nica con­ver­tido al mesia­nismo indí­gena. Un viaje lisér­gico, surrea­lista y exce­sivo por momen­tos, en el que sólo cabe unirse a su fan­ta­sía car­na­va­lesca o huir a la sala de al lado.

Otro de los temas que atra­ve­sa­ban Tupi or Not Tupi, como ya veía­mos en Aga­rrando pue­blo, es el debate en torno a la repre­sen­ta­ción docu­men­tal. Baba­kiue­ria (Don Feat­hers­tone, 1986) uti­liza la estra­te­gia del falso docu­men­tal par­tiendo de una atrac­tiva idea ini­cial (sobre un país en el que los blan­cos son la etnia mar­gi­nal de la socie­dad, domi­nada por la raza negra) que queda des­apro­ve­chada en su pos­te­rior desa­rro­llo y las­trada por su fac­tura tele­vi­siva. En el otro extremo se sitúa la des­con­cer­tante Sym­biopsy­cho­ta­xi­plasm: take one (William Grea­ves, 1968), obra céle­bre del cine under­ground yanki no muy cono­cida en España (pese a estar edi­tada en dvd por Cri­te­rion) que se aleja del fake y de los dis­cur­sos habi­tua­les sobre cine docu­men­tal en nues­tro país para aden­trar­nos en el terreno del cani­ba­lismo fíl­mico. Mediante el retrato de un rodaje de fic­ción que resulta ser impro­vi­sado, bus­cando la reac­ción del pro­pio equipo de la pelí­cula, Grea­ves trenza una refle­xión en torno al pro­pio pro­ceso de creación.

Para aca­bar, des­ta­ca­mos una pelí­cula que a nues­tro pare­cer ilus­tra a la per­fec­ción las inten­cio­nes del ciclo: Can­ni­bal Tours, del aus­tra­liano Den­nis O’Rourke, se mueve entre la come­dia ácida y el docu­men­tal de denun­cia en su inci­siva mirada al turismo occi­den­tal como forma actua­li­zada de colo­nia­lismo. La cita que abre la pelí­cula es sufi­cien­te­mente elo­cuente: “No hay nada más extraño en una tie­rra extraña que el extraño que la visita”.

En líneas gene­ra­les, Tupi or Not Tupi resultó un ciclo esti­mu­lante y dis­tinto a lo habi­tual en este tipo de fes­ti­va­les, con­si­guiendo su obje­tivo de acti­var un debate y pro­vo­cando cierta curio­si­dad y ganas de pro­fun­di­zar en el tema. En este sen­tido, se echa de menos un pequeño texto intro­duc­to­rio en el catá­logo (a ima­gen de los de José Luis Cas­tro de Paz o Gabe Klin­ger en sus res­pec­ti­vas sec­cio­nes) que sir­viera como guía orien­ta­tiva para los recién iniciados.

Hete­ro­dos­cias

La sec­ción fija reser­vada al cine espa­ñol de no fic­ción reco­gió el pri­mer fruto de su “Pro­yecto X Films”, apar­tado dedi­cado a los cineas­tas más actua­les con una inten­ción de mece­nazgo cine­ma­to­grá­fico (en home­naje a la mítica pro­duc­tora nava­rra de cine expe­ri­men­tal del mismo nom­bre). Así, Chus Domín­guez pre­sentó en la gala de clau­sura sus sim­pá­ti­cas Notas de lo efí­mero, video-diario rodado (y mon­tado cada día sin revi­sión pos­te­rior, como requi­sito auto­im­puesto) durante su estan­cia en una pen­sión pam­plo­nica la pasada pri­ma­vera, donde retra­taba a los fuga­ces visi­tan­tes a la vez que refle­jaba sus pro­pias sen­sa­cio­nes y frus­tra­cio­nes. Los gana­do­res del pro­yecto en esta edi­ción, cuyo resul­tado debe­rán pre­sen­tar el año que viene, fue­ron el dúo We Are QQ.

En cuanto a “Hete­ro­doc­sias Rewind”, apar­tado des­ti­nado al res­cate de obras ocul­tas u olvi­da­das, estuvo com­puesto por dos mag­ní­fi­cas sesio­nes con­sa­gra­das al cine ama­teur espa­ñol entre los años 30 y 50. La pri­mera de ellas, titu­lada “Ama­teu­ris­mos bajo la influen­cia del neo­rrea­lismo”, ofre­ció una de las sor­pre­sas del fes­ti­val: El anda­mio, diri­gida por Roge­lio Amigo en 1958. El film, recu­pe­rado hace ape­nas dos años, cons­ti­tuye un asom­broso hallazgo den­tro del cine ama­teur por su sol­ven­cia téc­nica, su agi­li­dad narra­tiva, su com­ple­ji­dad estruc­tu­ral y su inten­ción socio-histórica. Las vici­si­tu­des de un cam­pe­sino emi­grado a la ciu­dad en busca de opor­tu­ni­da­des, que acaba siendo explo­tado en el mundo de la cons­truc­ción a la vez que se ve envuelto en una oscura trama en torno a unas joyas, con­for­man un atre­vido dis­curso sobre el pro­blema de la vivienda, la explo­ta­ción del pro­le­ta­riado y la heren­cia repu­bli­cana de una pro­fun­di­dad sor­pren­dente. Con nota­bles influen­cias que van desde el cine revo­lu­cio­na­rio sovié­tico (la escena de la caída del obrero y el pos­te­rior mon­taje de imá­ge­nes) hasta Hit­ch­cock y el cine negro ame­ri­cano, sin dejar de lado su sin­to­nía con cierto cine espa­ñol (el evi­dente estilo bar­de­miano, la cer­ca­nía argu­men­tal a la tri­lo­gía de fil­mes cri­mi­na­les escri­tos por Miguel Mihura a fina­les de los 40), Amigo con­si­gue armar una pelí­cula que poco o nada tiene que envi­diar al cine profesional.

La segunda y última sesión abor­daba el cine ama­teur espa­ñol más cer­cano a las van­guar­dias y la expe­ri­men­ta­ción, y podría con­si­de­rarse una de las “sesio­nes espe­cia­les” del fes­ti­val por su carác­ter nove­doso y único den­tro del mismo: la pro­yec­ción de los ocho cor­to­me­tra­jes estuvo acom­pa­ñada por música en directo com­puesta para la oca­sión por Mur­sego (pro­yecto de la mul­ti­ins­tru­men­tista Maite Arroi­ta­jau­re­gui). El resul­tado fue muy posi­tivo en gene­ral, insu­flando vida a las pelí­cu­las mudas con unas insó­li­tas pie­zas musi­ca­les de gran crea­ti­vi­dad (com­bi­nando voz, vio­lon­chelo, per­cu­sio­nes e incluso jugue­tes, gra­bán­do­los y repi­tién­do­los en loop). Pese a que, tal vez, en algún momento la música lle­gara a eclip­sar a la ima­gen en lugar de ponerse a su ser­vi­cio, la expe­rien­cia pare­ció dejar buen sabor de boca a los asis­ten­tes. En el apar­tado cine­ma­to­grá­fico podría­mos des­ta­car Rit­mes d’un dia (Domé­nech Jimé­nez, 1933), la más cer­cana al cine abs­tracto en sus for­mas geo­mé­tri­cas (inequí­voca alu­sión a los Ryth­mus de Hans Rich­ter ya desde el título); la surrea­lista Mme­mor­tigo (Del­miro de Caralt, 1934) con un ambi­cioso aun­que algo tri­vial fondo sim­bo­lista que afor­tu­na­da­mente queda en segundo plano en favor de un carác­ter más cómico; y espe­cial­mente los tra­ba­jos de Lorenzo Llobet-Gràcia, cineasta mayor en la his­to­ria de nues­tro cine (pese a haber rea­li­zado una única pelí­cula, la fas­ci­nante Vida en som­bras) de cuya obra ama­teur ape­nas se ha ocu­pado la his­to­rio­gra­fía. Sobre­sale por encima de toda la sesión su Pre­gà­ria a la Verge dels Colls (1947), pelí­cula de aire telú­rico rica en hallaz­gos for­ma­les, que pasa del retrato de un pue­blo en sequía al mila­gro poé­tico de la llu­via, pro­ce­sión (e intro­duc­ción del color en el film) mediante.

Sesio­nes especiales

Las sesio­nes espe­cia­les son en cierta manera momen­tos extra­ños en un fes­ti­val cine­ma­to­grá­fico. Los moti­vos para esco­ger qué pelí­cu­las se pre­sen­tan en estas sesio­nes, en gene­ral, son varia­dos: el gusto del selec­cio­na­dor, de tipo per­so­nal (agra­de­ci­mien­tos a direc­to­res) o pre­sun­ta­mente his­tó­rico (reco­no­ci­miento a tra­yec­to­rias), nece­si­da­des de pro­mo­ción… Nenette, el último tra­bajo de Nico­las Phi­li­bert, inau­guró el fes­ti­val y fue el con­te­nido de la pri­mera sesión espe­cial. Es un tra­bajo que pode­mos deno­mi­nar menor den­tro de la fil­mo­gra­fía de Phi­li­bert. Sin ser un pro­yecto per­so­nal pre­me­di­tado ni tam­poco un encargo, flota en el espa­cio inter­me­dio entre uno y otro, en el espa­cio del hallazgo casual. Vemos en Nenette la difi­cul­tad que supone fil­mar a un ani­mal que ape­nas se mueve (el anciano oran­gu­tán cuyo nom­bre da título a la pelí­cula) desde el exte­rior y hacia el inte­rior de una pecera cua­drada, y vemos tam­bién los jue­gos que podrían hacerse entre el den­tro y el fuera, de ima­gen y soni­dos. Cuesta más, sin embargo, ver la refle­xión sobre el hom­bre y el ani­mal, sobre la liber­tad y la cautividad.

Otra sesión espe­cial, bien nutrida de público hete­ro­gé­neo, fue la que pro­yectó el docu­men­tal de Patri­cio Guz­mán Nos­tal­gia de la luz. Nos­tal­gia de la luz, donde Guz­mán vuelve a hablar de la tra­ge­dia de los des­a­pa­re­ci­dos de la dic­ta­dura de Pino­chet, lle­gaba a este fes­ti­val des­pués de ganar el pre­mio al mejor docu­men­tal euro­peo, el pre­mio del público en Toronto y muchos otros. La correc­ción visual de Guz­mán es noto­ria, su estruc­tura es clara, su tras­fondo de docu­men­ta­ción sólido; el docu­men­tal, en suma, es clá­sico. Por eso extraña encon­trarte en un lugar como Punto de Vista, expo­si­tor anual de tra­ba­jos que explo­ran mucho más allá del docu­men­tal hasta ahora cono­cido, con Nos­tal­gia de la luz.

El jue­ves tuvo lugar la sesión más impor­tante sobre el papel, el estreno abso­luto de la corres­pon­den­cia fíl­mica entre Jonas Mekas y José Luis Gue­rín. Este tipo de tra­ba­jos, que de un tiempo a esta parte pro­pone el CCCB a cineas­tas de la talla de Naomi Kawase, Abbas Kia­ros­tami, Víc­tor Erice, Lisan­dro Alonso o Albert Serra, ofre­cen exac­ta­mente lo que pro­me­ten: work in pro­gress de direc­to­res de cine impor­tan­tes. El único pro­blema con ellos deviene antes de los espec­ta­do­res que del con­cepto de corres­pon­den­cia fíl­mica por encargo: es decir, se ha de ver que los videos que fil­man e inter­cam­bian Mekas y Gue­rín no apor­tan más que pis­tas sobre en qué están tra­ba­jando y pis­tas sobre quié­nes son ellos en sus rela­cio­nes: es decir, cómo afron­tan la obli­gada rela­ción con otro direc­tor, tanto con su per­so­na­li­dad como con su tra­bajo. Por ello lo habi­tual es pre­sen­tar cosas sobre las que ya se está tra­ba­jando, o cosas nue­vas en la línea de lo que ya se está tra­ba­jando. La corres­pon­den­cia –que ade­más se pre­sen­taba no ter­mi­nada– consta de videos de Mekas que sue­nan a Mekas (Mekas siem­pre suena a Mekas) y vídeos de Gue­rín que sue­nan a Guest. De cual­quier modo, y una vez se está con­ve­nien­te­mente dis­puesto a ver una corres­pon­den­cia fíl­mica por encargo, la sesión resulta estupenda.

Al mar­gen de estos recla­mos rela­ti­va­mente “mediá­ti­cos”, como cada año el fes­ti­val alber­gaba sor­pre­sas de mayor calado (lamen­ta­ble­mente, no pudi­mos acer­car­nos a los pases del pro­yecto The Ukrai­nian Time Machine de Naomi Uman). No obs­tante, tuvi­mos la suerte de asis­tir a uno de los momen­tos inol­vi­da­bles de esta sép­tima edi­ción, que ha pasado inme­dia­ta­mente a for­mar parte de la his­to­ria del fes­ti­val: la sesión comi­sa­riada por el crí­tico y pro­fe­sor Gabe Klin­ger bajo el título “Young Film­ma­kers redis­co­ve­red”. El pro­grama de 9 cor­to­me­tra­jes arrojó luz sobre una de las muchas lagu­nas que a día de hoy per­vi­ven en nues­tras His­to­rias del Cine: la del Film Club orga­ni­zado por Rod­ger Lar­son en un cen­tro de ser­vi­cios socia­les del Lower East Side neo­yor­kino, un pio­nero pro­yecto de docen­cia cine­ma­to­grá­fica gra­cias al cual un buen número de ado­les­cen­tes mar­gi­na­les se abas­te­cie­ron de equi­pos de fil­ma­ción para retra­tar su reali­dad más cer­cana. Klin­ger, acom­pa­ñado de Michael Jacob­sohn (uno de aque­llos “young film­ma­kers”), nos pre­sentó parte del fas­ci­nante legado pro­du­cido por aque­llos jóve­nes durante cerca de un lus­tro: retra­tos docu­men­ta­les, inten­tos de cine de fic­ción (desde lo más lúdico hasta sor­pren­den­tes poe­sías visua­les), ale­ga­tos anti-Vietnam e his­to­rias que giran en torno a la droga y la delin­cuen­cia; en más de un caso haciendo gala de un inusi­tado talento, como mos­tra­ron los cor­tos de Alfonso Sán­chez Jr. o del pro­pio Jacob­sohn. En fin, una sesión noc­turna emo­cio­nante tanto para sus res­pon­sa­bles y pro­ta­go­nis­tas como para los afor­tu­na­dos espectadores.

Para dar por fina­li­zado el repaso al fes­ti­val, aca­ba­re­mos con otra pro­yec­ción espe­cial con un regusto a des­pe­dida y a cele­bra­ción. Era sábado por la noche, último día del fes­ti­val, y el pro­pio pro­ta­go­nista con­ta­giaba cierto aire fes­tivo: Ben Rus­sell, gana­dor del Gran Pre­mio Punto de Vista del año pasado y miem­bro del jurado en la pre­sente edi­ción, nos intro­dujo en un viaje por su forma de sen­tir el cine a tra­vés de una sesión (que resul­ta­ría doble: al salir del cine estuvo pin­chando dis­cos en un bar de la ciu­dad) en la que selec­cio­naba varios cor­to­me­tra­jes aje­nos para desem­bo­car en su última obra. Rus­sell pro­puso un camino sin asfal­tar, un iti­ne­ra­rio a tra­vés de paí­ses, cul­tu­ras y épocas que nos llevó del cine expe­ri­men­tal de Laida Ler­txundi o Gun­vor Nel­son al anar­qui­zante ver­te­dero del píxel en How to scape from street boxes (Paper Rad, 2006) o la abs­trac­ción colo­rista y psi­co­dé­lica en Marsa abu galawa (Gerard Holt­hius, 2004), pasando por la magia negra y el sata­nismo en las pie­zas de Segundo de Cho­món y Ken­neth Anger. La pos­te­rior visión de Trypps #7 (Bad­lands), la pieza rea­li­zada por el pro­pio Rus­sell, ilu­minó toda una red de cone­xio­nes entre su selec­ción de films y su cor­to­me­traje, que puso de relieve su per­cep­ción de la expe­rien­cia cine­ma­to­grá­fica como ejer­ci­cio mís­tico y su inte­rés por los efec­tos de trance, tema que lleva tiempo explo­rando en su serie Trypps.