Urge la nada

BLUE es una pieza escé­nica creada por Juan Domín­guez junto a cinco intér­pre­tes: Luis Miguel Félix, María Jerez, Aran­txa Mar­tí­nez, Naiara Men­dio­roz y Emi­lio Tomé. Se estrenó en Ber­lín den­tro del fes­ti­val Tanz Im August 2009 y des­pués en Mur­cia en mayo de 2010 en el Cen­tro Párraga. Noso­tros pudi­mos ver la pieza en Madrid el 21 de octu­bre de 2010 en el patio de La Casa Encendida.

Lo pri­mero que vemos del espa­cio escé­nico es que la puerta de la calle per­ma­nece abierta, que las luces son sen­ci­llas y que está par­tido por una tela negra. Durante la pieza los cinco acto­res entran y salen del espa­cio y tran­si­tan por dife­ren­tes esta­dos físi­cos. Parece que hay pro­gra­mado un reco­rrido de esta­dos más o menos cir­cu­lar, empie­zan en “la con­tem­pla­ción” des­pués viene “la risa ado­les­cente”, “el sexo” y de nuevo “la con­tem­pla­ción”. Estos esta­dos son cami­nos que esco­gen al cuerpo para apa­re­cer. Cada estado es como un color, una tona­li­dad, y los acto­res son afec­ta­dos por esa tona­li­dad. Parece que esta­blez­can una rela­ción con el aire, como si todo estu­viera en el aire y de repente alguien se vol­viera loco por­que sopla un viento del norte o del sur y ya no para. Cuando digo que veo un reco­rrido cir­cu­lar es por­que la pieza acaba cuando los acto­res se aban­do­nan poco a poco a “la con­tem­pla­ción” que ya cono­ce­mos, pier­den el ritmo y la fiesta acaba. Los acto­res aban­do­nan el espa­cio y salen a la calle y enton­ces la música que sonaba den­tro se va con ellos. El final de la pieza es de nuevo un prin­ci­pio. Por un lado, vemos cómo se ago­tan, cómo fra­ca­san las fuer­zas, pero no tie­nes la sen­sa­ción de que algo muere sino más bien de que algo se trans­forma, de que ellos con­ti­núan en otra parte. Y por otro lado, en el esce­na­rio queda el deber cum­plido. Su deber era jugar y fas­ci­narse en el juego. Ellos en escena debían con­ti­nuar con el mundo y en pleno movi­miento inten­tar cam­biar las reglas.

Las cosas extra­or­di­na­rias que pasan en BLUE no son gran­des cosas, son peque­ños ges­tos. Por ejem­plo, un gesto que hace Aran­txa: levanta el linó­leo, mete su pie debajo y res­triega muy des­pa­cio la suela de su zapato sobre el suelo. Y como por ondas, como por olas de influen­cia todos se con­ta­gian de ese cuerpo que uti­liza cual­quier cosa para sen­tir pla­cer, para que el mundo gire a su alre­de­dor. A veces fun­ciona y hay una ener­gía común, otras no fun­ciona, pero no les importa. Es como cuando éramos peque­ños y todo nues­tro cuerpo era una sola cosa y tenía­mos heri­das por todas par­tes, en las rodi­llas, en los codos, en la cara, por­que por todas par­tes podía­mos ser lige­ros e infi­ni­tos. Los acto­res no espe­ran nada a cam­bio de su trans­for­ma­ción. Ellos quie­ren que todos haga­mos lo único que sabe­mos hacer, por­que nues­tro cuerpo está hecho de eso, nues­tro cuerpo está lleno de lo que ellos hacen, de cosas inú­ti­les, de cosas que sólo sir­ven para sobre­vi­vir, para hacer a otro feliz, para reír­nos jun­tos. Recuerdo tam­bién un momento en la obra, cuando algu­nos de los acto­res corren en círcu­los por el esce­na­rio, dan dos vuel­tas y fin­gen can­san­cio. Este gesto es fun­da­men­tal para enten­der lo que sig­ni­fica o lo que ya no sig­ni­fica el sacri­fi­cio en el tea­tro. Entre esa carrera y la carrera de Angé­lica Lid­dell en “La Casa de la fuerza” está la his­to­ria del tea­tro y del dolor, el tea­tro y la ver­dad, el tea­tro y la dis­ci­plina, el tea­tro y las ideas. Angé­lica encarna sus ideas, lleva los actos a su rea­li­za­ción de prin­ci­pio a fin y así ella encuen­tra su ver­dad. En cam­bio, en BLUE al menos cier­tas ideas no nece­si­tan lle­varse a cabo, sólo con enun­ciar­las, sólo con que la idea lle­gue al esce­na­rio como idea a veces basta. Unos encuen­tran que la idea no existe si no existe la fe en ella, la fe en que la idea te per­mite vivir. Y otros teniendo la idea sien­ten que han lle­gado al extremo de su mente y que no hace falta nada más.

BLUE es una idea de juego y de caos sobre los cuer­pos. La escena es como un espa­cio de liber­tad y de riesgo en el que los cinco acto­res lle­van a cabo un acto com­pleto de crea­ción. El “acto de crea­ción” nos reúne a todos en el tea­tro, es el acto con el que sus cuer­pos nos ense­ñan parte de aque­llo de lo que los nues­tros son capa­ces. En escena las per­so­nas tra­ba­jan su deseo, tra­ba­jan sus cuer­pos y se man­tie­nen vivos por­que están jun­tos, por­que noso­tros los esta­mos mirando, por­que alguien posi­ble­mente les enten­derá, por­que cual­quiera puede seguir su juego. En BLUE se pro­pone una vida de exce­sos, intui­tiva, una con­vi­ven­cia basada en la ins­pi­ra­ción. Ellos bus­can la manera de diver­tirse y de no ser ren­ta­bles. Su ener­gía no se suma para lle­gar a algo, no hay nada que cons­truir salvo los pro­pios actos. No hay pro­yecto que defen­der, par­ten de un mundo vacío, se encuen­tran con el deseo y se aga­rran a él. Ellos se encuen­tran unos con otros única­mente para sor­pren­derse. No resuel­ven nada con­sigo mis­mos. Las heri­das se com­par­ten pero no se gra­ban, el dolor como la risa ter­mi­nan, se suce­den una y otra vez. Es la ener­gía lúdica orga­ni­zada con­tra la dis­ci­plina y el dolor.

En BLUE se pre­tende hacer impo­si­ble la his­to­ria. En cierto modo, pienso que esta obra enmar­cada en la tra­yec­to­ria de Juan Domín­guez y vista den­tro del con­texto escé­nico actual orga­niza un desa­fío con­tra la his­to­ria de la danza poniendo en el cen­tro de esa his­to­ria el pla­cer y no la dis­ci­plina. El pla­cer en BLUE nace del vacío, del vacío de orga­ni­za­ción, de reglas y de narra­ción. Pasan de no tener nada que hacer a inten­tar crear un mundo. En el mundo que crean durante la obra no hay enemi­gos, no hay poder con­tra el que ir, ni leyes que sal­tarse. Reina el hazlo tú mismo. Como he dicho antes, par­ten de un mundo vacío, par­ten sin un pro­yecto común y aca­ban tam­bién sin él. Enton­ces, ¿de qué sirve inven­tar y trans­for­mar los sig­nos, ridi­cu­li­zar el poder? ¿De qué sirve vol­ver a la infan­cia, a la ado­les­cen­cia? ¿De qué sirve no prohi­birte nada? ¿De qué sirve hacer como si nadie te mirara?

Juan Domín­guez impone una dis­per­sión, un caos y exige la narra­ti­vi­dad a los espec­ta­do­res. Para que esto ocu­rra, para que noso­tros sea­mos siem­pre res­pon­sa­bles de la inter­pre­ta­ción de la obra, ellos tie­nen que abrir cons­tan­te­mente el sig­ni­fi­cado de sus actos para que no se fijen en nin­gún sitio, para que los actos no se rela­cio­nen, para que no recons­tru­ya­mos la his­to­ria, eso es lo que inten­tan hacer tanto en escena como fuera de ella. Cuando les entre­vis­tan hablan de cómo han tra­ba­jado, hablan de jue­gos, del uso que han hecho de algu­nos con­cep­tos de la física cuán­tica, pero no hablan de lo que le pasa al cuerpo, con­cre­ta­mente, no hablan de dis­ci­plina, ni de deseo, ni de polí­tica. Creen que hoy urge dejarlo todo sin defi­nir, esa es su apuesta. Entre­gan cuer­pos, entre­gan accio­nes pero no se res­pon­sa­bi­li­zan de lo que el espec­ta­dor entienda de ellas. No quie­ren cons­truir un mundo defi­ni­ti­va­mente común, renun­cian a que nos enten­da­mos, quie­ren abrir posi­bi­li­da­des y quie­ren que otros se encar­guen de cerrar­las, quie­ren actos libres sin consecuencias.

Con este texto pre­ten­día­mos encon­trar una escri­tura para la obra, orde­narla para ver vidas donde que­rían que vié­ra­mos jue­gos, ver cuer­pos donde que­rían que vié­ra­mos ideas, ver cuer­pos dónde no que­rían que los vié­ra­mos. Por­que nues­tro pro­yecto es pen­sar el tea­tro para poder escri­birlo, con­ser­var su mis­te­rio pero hacerlo des­ci­fra­ble, con­ti­nuar con este ofi­cio impo­si­ble para que pueda seguir hablán­do­nos de vidas posibles.

Fotos: Enri­que Escorza