El ciclo Los Abadías

Aque­llos que hemos estado aten­tos (lo de ponerlo entre semana habrá des­pis­tado a más de uno) hemos visto en estos días en La Aba­día un ciclo auto­de­no­mi­nado, no sin cierta redun­dan­cia, “los Aba­días”. Sali­dos de las tablas de esta sala (se diría que casi cual exqui­sito hongo comes­ti­ble) una selec­ción de estos acto­res, así lla­ma­dos “inter illi” (Aba­días, me refiero), “se han lan­zado a la aven­tura de la crea­ción, a la aven­tura per­so­nal, con la com­pli­ci­dad de com­pa­ñe­ros (acto­res, dise­ña­do­res, téc­ni­cos) que tam­bién se han entre­nado y han tra­ba­jado en La Aba­día,” para ofre­cer­nos un con­junto hete­ro­gé­neo con bas­tante cal pero tam­bién algo de arena. Un ciclo en defi­ni­tiva que a los que lo hayan seguido en su inte­gri­dad les habrá dejado, en líneas gene­ra­les, satis­fe­chos a la vez que deseo­sos de más.

Tor­valdo Furioso; Seño­rita, no se ponga tremebunda.

Tor­valdo Furioso, un espec­ta­cu­lar tra­bajo de com­po­si­ción dra­ma­túr­gica creado por Lucía Vila­nova y diri­gido por Lino Ferreira, tuvo el pla­cer de abrir estas jor­na­das. Esta pro­duc­ción de El Óbolo S.L. nos pre­sen­taba una sor­pren­dente e inte­li­gente revi­sión de Casa de Muñe­cas; una casa de muñe­cas habi­tada por per­so­na­jes uni­fi­ca­do­res de tres tiem­pos: el de Orlando Furioso de Ariosto, el de los carac­te­res de Ibsen y el de los huma­nos comu­nes de hoy en día, todo en un texto que no sólo no ocul­taba sus refe­ren­tes sino que por el con­tra­rio los acen­tuaba logrando con ellos un nuevo uni­verso de sen­ti­dos y razo­nes abso­lu­ta­mente genial. La riqueza de aspec­tos de los que se podría hablar es tan abul­tada que casi mejor será remi­tir al lec­tor curioso a las pala­bras de la pro­pia Vila­nova reco­gi­das en el dos­sier de la Aba­día sobre el ciclo. Y es que el cúmulo de acier­tos de Tor­valdo Furioso no para en la obra escrita, sino que con­ti­nua con un espa­cio escé­nico exqui­sito (por suge­rir más de lo que mues­tra) y con un tra­bajo acto­ral envi­dia­ble (sober­bia la labor de Julio Cor­tá­zar e Inma Nieto, otros dos habi­tua­les de la casa). En resu­men, este comienzo de ciclo jus­ti­ficó todas las expec­ta­ti­vas crea­das siendo posi­ble­mente, ade­más, lo mejor que se ha visto en la Aba­día en los últi­mos meses.

El Gran Atasco; si Cor­ta­zar levan­tara la cabeza:

La cruz de este “mono­grá­fico” la aportó El Gran Atasco que haciendo honor a su nom­bre, esto es jus­ta­mente lo que era. Diri­gido por Fer­nando Sánchez-Cabezudo, aun­que creado en cola­bo­ra­ción con Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo y con Alfredo San­zol, este mon­taje genera una enorme sor­presa. El pro­blema es que esta no se encuen­tra en escena, es más no se encuen­tra en nin­guna parte; y pre­ci­sa­mente esa es la sor­presa, que no se encuen­tre por­que cuando uno pone en escena una idea de otro, lo nor­mal es que como mínimo diga de donde ha sacado ésta. Sin embargo aquí ¡oh, sor­presa! nadie dice nada de ese mara­vi­lloso texto de Julio Cor­ta­zar lla­mado La auto­pista del sur que uno, que tam­poco es que sea muy leído, reco­noce per­fec­ta­mente en esta “atas­cada” puesta en escena. Dirán los lec­to­res que lo siguiente me viene de  (de)formación pro­fe­sio­nal pero es que ya lo dice bien claro el código deon­to­ló­gico del direc­tor de escena apro­bado por la ADE años ha: “El direc­tor de escena, en el ejer­ci­cio de su pro­fe­sión, se obliga a guar­dar el máximo res­peto por la obra de otros crea­do­res (auto­res, adap­ta­do­res, tra­duc­to­res, esce­nó­gra­fos, artis­tas plás­ti­cos, com­po­si­to­res, etc.) que pueda ser incor­po­rada o uti­li­zada en la crea­ción escé­nica, des­ta­cando en todo momento, en la publi­ci­dad que corres­ponda, la pro­ce­den­cia de los mate­ria­les de todo tipo que pueda uti­li­zar en sus espec­tácu­los”[1]. Por ello no cabe menos que la sor­presa ante este “olvido” fla­grante. Esto lleva a pen­sar que o bien el des­cuido ha hecho de las suyas o que efec­ti­va­mente este grupo de crea­do­res lle­ga­ron, fruto de la casua­li­dad, a un común crea­tivo con el genio Argen­tino. Sea cual sea la razón que jus­ti­fi­que esta comu­nión crea­tiva espero que pronto se cui­den sus rea­li­za­do­res de dar las res­pues­tas y expli­ca­cio­nes corres­pon­dien­tes y necesarias.

Ciñén­do­nos a lo mera­mente escé­nico poco hay que decir. Qui­zás lo más des­ta­ca­ble fuera su puesta en escena que quiso jugar con la pro­yec­ción visual y con el mon­taje sonoro, pero estos no logra­ron un nivel de inte­gra­ción en el con­junto que sal­vara la pro­puesta, lo cual acabó des­me­re­cién­dola, con­vir­tién­dola en una mez­co­lanza de ele­men­tos des­en­gar­za­dos y sin encuen­tro. No puede aña­dirse mucho más sobre este pro­yecto que tocado desde el inicio (ya lo hemos dicho) por un halo de des­con­fianza no supo atra­par al espec­ta­dor ni mucho menos estar a la altura de las circunstancias.

Al final todos nos encon­tra­re­mos; Una experiencia

A veces cuando uno va al tea­tro le ape­tece que no le cuen­ten (al menos direc­ta­mente) nada. “No son cam­bios, con­flic­tos, catás­tro­fes… sino sus­tan­cias”. Así pre­sen­tan los de Tea­tro El Zurdo este espec­táculo sobre “el desam­paro del hom­bre en un mundo en el que el dolor crece a cada ins­tante”. Este colec­tivo abierto de crea­do­res cie­rra este ciclo con una com­po­si­ción com­ple­ta­mente opuesta a sus pre­de­ce­so­ras, donde la crea­ción colec­tiva deja espa­cio para el tra­bajo desde las pro­pues­tas tanto indi­vi­dua­les como gru­pa­les. Pero aña­den algo más: “Este espec­táculo demanda el esfuerzo inter­pre­ta­tivo del espec­ta­dor.” Esto es la clave del pro­ceso: uno acude al tea­tro a ver, pero en este caso no debe espe­rar, debe par­ti­ci­par, debe inter­pre­tar o sim­ple­mente dejarse lle­var, pues más que de la com­pren­sión se trata de la expe­rien­cia, de sen­tir ese algo diluido del indi­vi­duo extra­viado del que nos quie­ren hablar. Esas sus­tan­cias son lle­va­das físi­ca­mente a escena a tra­vés de una esce­ni­fi­ca­ción que nos reporta direc­ta­mente a una bohe­mia taberna donde artis­tas, fra­ca­sa­dos y, tam­bién (¿por qué no?) locos, se encuen­tran y crean esa esen­cia de sus­tan­cias que al unirse se trans­for­man en algo dis­tinto. Lograda la ambien­ta­ción, la esté­tica escé­nica y la expe­rien­cia para el espec­ta­dor sí que habrá que repro­char­les, al menos un poco, su falta de inte­rés por el público de la pieza. Un esfuerzo mayor para per­mi­tir enten­der de qué están hablando no sería un tra­bajo en vano. Pero aquí cada uno es libre de opi­nar, libre para vivir su pro­pia expe­rien­cia y libre para ponerse a favor o en con­tra de esta forma de crear. De lo que se trata es de inves­ti­gar nue­vas esce­nas; los post-dramático está vigente; aun tene­mos muchas cosas que expe­ri­men­tar. Quién sabe si en una segunda edi­ción de este ciclo las encontraremos.

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[1] Artículo 47; Código Deon­to­ló­gico del direc­tor de escena; ADE; Marzo de 2004. El artículo 30 exige ade­más el reco­no­ci­miento público de la apor­ta­ción en la docu­men­ta­ción que corresponda.